中西绘画差异

绘画题材变化呈现的社会发展

-比较中西文化差异

内容摘要：绘画作为历史悠久的一门文化，已经深深地融入了我们的生活并且在影响着我们的观念。本文侧重探究在历史长河中，绘画题材随着社会变迁和人性的发展而发生的变化。在远古社会中，绘画仅仅是个比字更为形象、通俗的记录工具。随着社会的发展和人们宗教信仰的兴起，绘画则承担了传教的重任，而此时的绘画人物都是飞天、佛祖、耶稣、圣母等较为神圣的人物。到了十四世纪的时候，人性进一步苏醒，绘画也开始以人为本，开始发展成为画家大师抒发情感的一种方式。并且这时因为中西文化性格上的差异，中西绘画题材发生了差异。面对不同的社会时局，西方画家针砭时弊，直抒胸臆。而中国大师则寄情山水，呈现一种避世的心态。

关键词：绘画题材 变化 社会发展 中西差异

绘画，一个亲切而又神圣的词语。说它亲切，因为我们都有各种各样的涂鸦，或演草纸的一角，或试卷的背面，或土墙的一隅，随性的几笔，描绘出自己的异想天开；说它神圣，因为总是觉得大师的作品往往让人赞叹不已，千古流传。

画是人们表达情感、传递思想的一种重要手段，“耳得之而为声，目遇之而成色”，画家常常看到眼前之景，突发灵感，创造出精美的作品。而不同的景观也会给画家带来不同的情绪，因此不同的作品、不同的题材蕴含的情感也往往不同。那么中西绘画题材的差异体现在哪？追根溯源，应该是文化的差异。 公元前，绘画承担记录的工作，画眼前所见之景

其实在公元前，我们的祖先就开始了绘画-岩画。岩画的出现标志着人类头脑智力发展到高于其他生命的第一阶段：头脑对视觉捕捉的形象有了归纳的能力，并能支配手表现出来，这时的绘画大多承担着记事的功能。在法国的康纳克洞中就有一幅画着野牛和猎人的岩画，这幅画不是单纯表现动物，而是出现了情节:一头野牛被长矛刺出了肠子，但它依然鬃毛直立地保持着生命的顽强。而与此同时，中国的岩画却呈现这样的特点：只有外轮廓的造型，而没有五官等细节的描绘——好像是把人及动物的影子经过特征性的概括印制在岩壁上。从这我们可以看出：西方的岩画是对情节的描述，通过一幅幅生动的理性描述来诉说一件事情；中国早期的岩画则侧重于感性地写意来认识大自然。 文艺复兴前，绘画是宣教的工具，描绘遥不可及的神

随着社会的发展，人类产生了越来越多的欲望，一些人会对其他人的创造成果产生羡慕与占有的欲望并付诸行动，先是抢夺，抢夺不到就会破坏。历史上很多文明就是这样被破坏，比如古罗马文化、埃及文明的被掠夺、破坏。在破坏和侵略中，人类承受了巨大的痛苦和苦难。于是，人们心灵就需要安慰，也需要一种至高无上的权威来维持正常的生活秩序，于是宗教变应运而生。人们就开始用各种文化方式自觉自愿地协助推广宗教，绘画便是其中之一。此时，东方和西方都产生了大量以宗教为题材的作品。在西方，基督教与公元4世纪被官方承认合法，于是相应的宗教壁画、宗教题材绘画在西方大陆上纷纷出现。不仅如此，在圣经、福音书、有关农事节气的时历书上开始出现有关宗教教义的插图。此时的西方绘画注重人们精神的净化，通过描绘圣经中的典故、教义来感化人民。远在

千里之外的中国也因为佛教的盛行而改变了绘画。魏晋南北朝的大师们融合了北方石刻的遒劲，南方手绘的婉约，形成了中国画以线为主要表述语言的特点。这时的宗教壁画中多彩绚丽的敷色和凹凸晕染法为后来工笔重彩的成熟做好了充分的准备；宗教与玄学清淡的附和与文人们的清高、孤芳自赏合拍，使后来的绘画脱离说教，转向精神与理想的寄托于表达-促使山水画的发展。东晋画家顾恺之有一幅有名画作《女史箴图》，据说是根据张华的《女史箴》而创作的。张华在《女史箴》中描述了12位女官不同的美德，以此来委婉地告诫掌权者贾南风收敛自己的行为，希望她能做得好一点。顾恺之的《女史箴图》与张华的《女史箴》鼓励人们向善的原意是一脉相承的。在公元4世纪前后的中国，宣扬佛教、鼓励人们向善是绘画主要作用之一。由此可见，此时中国和西方，绘画在装饰之外又担负起说教的任务。

绘画脱离佛教，但由于文化的原因，在中西呈现不同的题材变化

文艺复兴后，绘画成为个人感情的宣泄，普通人登上画面，画家大胆揭露社会阴暗面。

宗教壁画是一个分水岭。4世纪以后，特别是10世纪以后，中国和西方的绘画题材渐渐开始分野，有了一些区别。15世纪的文艺复兴是西方绘画的一个转折期。随着科学的发展，西方人民的自我意识不断加强，自信心进一步提高，提出了“人文主义”和“人本主义”的思想。此时的绘画题材也逐渐从宗教转向人类的本身。在这个时期的作品当中，“焦点透视”法的运用更为广见，人物的背景也从室内转向室外。人们也不再满足于形象外在逼真的再现，而是更加关注画中人物神采、内心的表达，它们含蓄的笑容少了几分宗教的肃穆，多了几分亲切。达.芬奇应该是一个鲜明的代表，他的名作《蒙娜丽莎》传神的展现了一位女子无法言说的美丽。到了17世纪的西方，绘画题材更加地呈现了世俗化、生活化的特点。肖像画、人物画不再仅表现贵族，贫民的形象出现了，如哈尔斯的《吉普赛女郎》；没有人物单纯描写风景的风景画，如维米尔的《德尔福特远眺》，风景画自此成为独立的画科。这时的绘画不再被教会及政府所垄断，所以，绘画的题材不再仅仅局限于宗教、神话或重大历史事件，日常生活中的情趣化的瞬间、生活环境甚至生活中的日用品、食物都进入了画面。18到19世纪的西方画坛更加多彩。很多画家开始用自己的画对时政进行讽刺，对政府的腐败进行痛斥。著名的画家戈雅就曾借助驴的形象画了一批针对时政弊端的讽刺漫画式的蚀刻版画。1808年法国入侵西班牙后，戈雅就用《法军枪杀起义者》来直接表达爱国、爱民族的情感。

五代后绘画脱离佛教，成为迁客骚人避世的寄托，山水花鸟画被画家推崇 在西方绘画逐渐走下神坛，步入民间时，中国的绘画也逐渐脱下了“袈裟”。在文化熠熠生辉的唐朝，诗歌特别发达，当时人们能熟练地运用诗歌来讴歌自然的美妙。诗歌的意蕴影响着当时的山水画，山水画家们力图在山水画中营造一种诗的意境。唐代著名大诗人王维就是一位能诗善书且工于绘画的大家，他如诗的画如“造境”一般，让人心驰神往。除了山水画，唐代人物画也颇有建树，最值得一提的当属吴道子，他以其行笔流畅、转笔刚劲的笔法和善于描画飘扬的衣饰，创造出独特的“吴家祥”及“吴带当风”。五代和宋代的绘画相比于唐朝，清瘦了许多，开始了一种将自我融入对象，力图消抹距离的“自我”主观表达。此外，还出现了“墨竹、墨梅”这样的独立画科。到了元代，蒙古族取得了中国的统治

权，汉族文人的自尊心收到了极大挑战和打击，但又无能为力。只能选择艺术形式来逃避现实。这种避世的心态反映到绘画上就是移情山水自然、花鸟虫鱼。因此元代的山水画和竹、梅、花鸟画相对发达。山水画也比宋代的更加明净、高远，以寄托自己的精神向往，隐晦地表达对现实的不满。常常“逸笔草草，不求形似，了一写胸中逸气”。这样的背景导致元代的绘画，人物画比较少，多表现神话题材，手法上有了为突出人物特性而进行外形变形的做法。清朝又是一个少数民族统治的时期，汉族的文人在明代高亢后又一次陷入了消极情绪，绘画中充满离世情绪。以八大山人为代表的，把对国家沦陷的失落情绪带入绘画，开始挑战传统绘画技法，主张技法不过是个工具，只要能够表达清楚，可以不拘于技法形式。

近代的西方由于思想进一步解放，各种绘画流派竞相绽放，题材也变得更加多姿多彩。而近代的中国因为西方文化的传入，风格和题材也发生了很大的变化。 总结：

通过上面的不同时期的对比，我们可以清晰地发现，绘画题材的选择与社会的背景息息相关。在宗教兴起的时期，人们开始追求自己的信仰。于是画家也开始以宗教为题材来协助推广宗教教义，来启迪人们心灵，来鼓励人们向善。随着科学进一步发展，人类的自信心进一步提高，人们开始把希望从神转向了自身。自我的觉醒使人们不再盲从、迷信宗教而是客观、理性去遵守教义。这时，感性的西方人和理性的中国人却用了不同的表达方式：西方画家在绘画神的同时加入了人，开始让人们思考神和人真的有差别吗？后来的画家在绘画时脱离了宗教，将人-无论贵族还是贫民-当做绘画的主体，这无疑是当时兴起的“以人为本”的写照。他们在画中更多得融入自己的思想，将自己的思想淋漓尽致地借助画笔表现在大众面前，并让人们思考人生，体会生活和疾苦，引发人们的赞叹或同情。而中国的画家在对原有的信仰和统治失望时，他们却在画中表现出了一种遁世的心理。在君主集权统治、等级观念森严的中国，百姓对国家的命运、发展是没有力量左右的，甚至没有发言权。而当时的中国人又是矜持的，他们不会直白地表达自己的喜怒哀乐，表达自己的情感。于是很多文人画家就借助绘画隐讳地表达自己思想，还有的干脆对政治失去兴趣，以绘画来表达自己的清高和超然。然而他们矜持的特质让他们成为一个害羞的群体，这又导致他们具有丰富、细腻的情感。人的情感聚集多了就需要渠道流泻，他们就选择了移情、比喻的方法来表达情感，于是便有了“看山不是山，画水不是水”的说法。中国人就是这样把自然界的物体拟人化，再把自己的情感转嫁上去，来隐讳地宣泄自己内心的各种情感。

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